Mostrando entradas con la etiqueta producciónmusical. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta producciónmusical. Mostrar todas las entradas

Producción Musical - Tips para obtener una buena mezcla


  • Acumulación de fatiga auditiva: No conviene trabajar mas de 20 minutos corridos en un mezcla ya que nuestros oídos pueden sufrir de fatiga auditiva y esto hace que lo que suena bien nos suene mal y lo que suene mal nos suene bien. Para esto, conviene mezclar en ratos de 15 a 25 minutos y tomar un descanso, luego reanudar con la mezcla.
  • No procesar las pistas en modo "solo": Muchos, sobre todo los principiantes procesan cada instrumento en modo "solo". Los instrumentos se deben mezclan en el contexto para lograr una mezcla coherente.
    Entonces deberiamos comenzar la mezcla con el instrumento mas importante en modo "solo", luego agregar el segundo instrumento y procesarlo, y así sucesivamente.
  • Manejár los volúmenes con criterio: Para que obtener una mezcla consistente y no tengamos que retocar siempre instrumentos ya procesados y para que tengamos un estandar. Para más información: Los volumenes en la mezcla.
  • No destrozar la dinámica: Comprimir solamente cuando sea necesario, limitar cuando sea necesario (tendiendo a nunca). Hoy en día los DAWs nos dan muchas facilidades de edición y automatización, debemos aprovechar estas ventajas para no matar la dinámica de un tema. Si luego queremos mucho volumen final que se ocupe el ingeniero de mastering en destrozar la dinámica.
  • Utilizar la menor cantidad de procesos, no escualizar cuando no hace falta, no comprimir cuando no hace falta, no usar tal proceso por costumbre. Si la pista suena ya bien de por si en el contexto, entonces ¿para que tocarla?.
  • El uso de plugins: Antes de utilizar nuestros plugins los debemos conocer bien en todo su detalle. Eliminar de nuestra lista de plugins aquellos que generen muchos inarmónicos o nos den problemas de fase digital.
    Plugins "malos" (y aunque parezca mentira la mayoría de los caros, baratos y gratis) tienden a dejar nuestra mezcla poco definida, sin potencia, boba, harsh y que causan fatiga auditiva a quien escuche la producción. Para saber elegir nuestros plugins recomiendo leer estos otros artículos: Eligiendo nuestro armamento de plugins: Parte 1, Parte 2, Parte 3. Este otro artículo es en parte relevante: La frecuencia de muestreo.
  • No mezclar con la vista: Es el error por naturaleza de un amateur. Mirar mucho el analizador de espectro, ecualizar mirando las curvas generadas por los ecualizadores paragráficos, etc. Siempre es mejor hacerle caso al oído y no a los gráficos. Si mezclamos sin mirar gráficos nuestras mezclas sonarán mucho mejor.
  • Una buena estrategia de panorama: Es un error pensar una mezcla en mono cuando su resultado final será estereo. Hay que mezclar en estereo para evitar el enmascaramiento y tener una buena estrategia para recurrir a la ecualización como ultimo recurso. Para mas información sobre una buena estrategia de panorama: El "Panorama", explicación, ejemplos y teoria.
    Hay que chequear la compatibilidad mono, pero siempre comenzar mezclando en estéreo. Esta regla no se aplica cuando el resultado final de la producción será mono, como por ejemplo temas mezclados para televisión (televisiones viejas) u otros medios mono-aurales.
  • No abusar con el uso de reverbs, estas deben ser sutiles y solamente para dar información de espacio. En caso de que necesitemos reverbs con colas largas y producciones muy mojadas entonces podremos hacer uso del pre-delay para poder desacoplar la reverb de la señal DRY y que de esta manera permanezca clara la fuente. Otro truco es no usar muchas reverbs por proyecto, lo recomendable es usar un máximo de tres. Algunos controles de las reverbs.
  • Tener un buen sistema de monitoreo, y una acústica decente: Dentro de lo posible hay que intentar usar monitores de escucha plana y tener un recinto acustizado para evitar rebotes del sonido. Se puede acustizar y conseguir monitores de bajo coste. Este es un tema que trataremos mas adelante.


Producción Musical - Diferencia entre altavoces y monitores de estudio


Altavoces convencionales: Son aquellos que se usan en equipos Hifi, y llevan el sonido coloreado (Llevan una ecualización especial para hacer que todo lo que suene en ellos se escuche con más brillo, o mejor). Lo mismo pasa con auriculares, en las bocinas de los coches, etc.

Monitores de Estudio: Son altavoces diseñados exclusivamente para su uso en el estudio y no tan exclusivamente (Los monitores de estudio dan una respuesta tan plana del sonido que si un tema suena muy bien, en los monitores vamos a poder escuchar todos los detalles de dicha canción) Así también si suena mal, los monitores son excelentes chivatos y son capaces de poner los errores al frente para que lo escuchemos perfectamente.

A diferencia de los demás altavoces, los monitores dan una respuesta mucho más plana del sonido, dependiendo de los monitores que compremos obtendremos una frecuencia más o menos plana.


Para que lo comprendais mejor, la respuesta plana es simplemente escuchar el sonido tal y como es, sin colorantes artificiales como brillos o ecualización programada.

Hay 3 tipos de monitores que son:

1 Monitores de campo cercano
 (Son los que se usan habitualmente en estudios no muy grandes, su potencia normalmente no rebasa los 150 watios de potencia) Se usan casi todo el tiempo y no necesitamos un volumen elevado para trabajar con ellos. Normalmente no bajan de los 70/50 hz.

2 Monitores de campo medio Estos se pueden usar sobre todo en estudios de grabación, cine, etc en los que se quiere saber cómo va a quedar el sonido final y para tener varios puntos de "vista" entre los monitores de campo cercano y los medios. Estos pueden ir sin empotrar aunque a veces van empotrados. Se suelen usar a 1 metro y medio o 2 metros de distancia.

3 Monitores de campo lejano
 
Se usan en grandes estudios y son los que van empotrados en la pared, cuestan un ojo de la cara y necesitan un sistema especial de conexiones, tienen un sonido muy bueno y abarcan todo el espectro de frecuencias.

ATENCIÓN: (Los monitores tanto de campo medio como lejano sólo los ricachones se lo pueden permitir, nosotros por ahora nos conformaremos con los monitores de campo cercano que hay muy buenos precios y son tremendamente útiles)

¿Pasivo o Activo?

Cuando unos monitores son pasivos, necesitan un amplificador a parte ya que ellos mismos no llevan ningún tipo de alimentación y tienen que ir conectados a alguna etapa.

Por el contrario cuando unos monitores son activos, estos van autoamplificados y tan sólo hace falta un enchufe donde conectarlos para que puedan trabajar sin problemas y su volumen sea correcto.

RECOMENDACIÓN: Unos monitores de campo cercano activos es lo idóneo para un Home Studio o estudio profesional.

Dentro de los monitores activos los hay de varios estilos, autoamplificados, biamplificados, triamplificados... Los biamplificados suelen llamarse así porque cada monitor está amplificado y no es uno solo el que reparte toda la energía.

En los monitores activos normales el monitor que suele repartir la energía al otro y donde va la toma de corriente es el altavoz derecho.

Algunos traen un ecualizador delantero y otros no llevan nada. En la parte de atrás nos podemos encontrar con modelos que lleven, desde regulador del volume a opciones de filtrado y numerosas conexiones.

¿Existe alguna diferencia más sobre los altavoces y los monitores?

Si, y de hecho es muy importante saberlo.

Estoy hablando de la colocación de los mismos y la acústica de la sala, ya que dependiendo de su colocación y la reverberación de la sala podemos trabajar cómodamente con ellos o pasar por un infierno sonoro.

Todo se resume a una buena colocación y una buena insonorización en el estudio o en los puntos clave donde puede rebotar el sonido como las esquinas, el suelo o la parte de atrás si hay una ventana.

Teoría Musical - Las escalas pentatónicas y cromáticas


Las escalas pentatónica y cromática son un poco menos comunes a la hora de su utilización para componer. Pero no por ello son menos importantes que las diatónicas.
En la pentatónica, que está formada por cinco notas musicales, aparece la nota más importante que es la tónica, y le da el nombre a la escala. En cambio, lacromática no tiene tónica y la separación de las notas es de medio tono. Estáformada por todos los sonidos.
Veamos algunas características de estos dos tipos de escalas.En principio decir que la pentatónica se suele usar para la improvisación; y la cromática como puente para cambiar de tonalidad.

Las escalas pentatónicas

Fundamentalmente hay dos escalas pentatónicas: las escala pentatónica mayor y la escala pentatónica menor. La mayor se forma a partir de la primera, segunda, tercera, quinta y sexta nota de la escala diatónica mayor.
El patrón de tonos y semitonos de esta escala pentatónica mayor es:
TONO - TONO - TONO Y MEDIO - TONO - TONO Y MEDIO

En cuanto a la escala pentatónica menor, ésta consta de la primera, tercera, cuarta, quienta y séptima nota de la escala menor natural. En la práctica comparte las mismas notas que la mayor, pero su tónica empieza en la de la escala manor.

Las escalas relativas pentatónicas tienen las mismas notas, por lo que se simplifica mucho el asimilarlas. Tan solo, con conocer como se arma las mayores, podemos derivar a las menores. También decir que estas escalas se utilizan mucho en el Jazz para improvisar.

La escala cromática

Todos los sonidos de esta escala cromática están separados por medio tono; además de que la escala cromática está formada por todos los sonidos. Cuando se asciende por la escala utilizamos sostenidos; cuando descendemos hacemos uso de bemoles.
Para armar la escala cromática construimos la escala mayor y le agregamos sostenidos entre las notas que tengan un tono de distancia.


En el contexto de una melodía se utiliza la escala cromática para utilizar lo que se llama como pasajes cromáticos.






Producción Musical - El efecto de sonido de Delay y Echo


Aunque este efecto de sonido se llame Delay (retraso en espñaol), podemos hacer con él dos efectos de sonido muy similares: por un lado el delay propiamente dicho (retraso), y por otro el Echo (eco).
Estos dos se diferencian únicamente en el tiempo en que se escuchan los retrasos de los sonidos. Puede que pienses que no es importante este concepto, el de diferenciar retraso y eco, pero si que lo es.
Por ejemplo, el Delay tiene la funcionalidad de dar cuerpo al sonido, mientras que el Echo no tiene esta funcionalidad. También, por su parte, el Echo enriquece el ritmo, mientras que el Delay no.

Con este efecto de sonido podemos hacer delay y eco.

El primer parámetro es el tiempo de retardo. Tenemos dos opcciones a elegir:MS y STEPS. El primero se suele usar cuando queremos el efecto de delay; por su parte, se suele elegir Steps para los efectos de Echo. Recuerda: Echo es el efecto de eco. También disponemos de un control para ajustar el tiempo de retardo o eco.
El control STEPS hace referencia a la sincronización en el tiempo del eco y el tempo de la música o ritmo. Cada Step equivale a la figura de valor conocida como semicorchea. Por ejemplo, si ajustamos el eco a 4 Steps, el eco aparecerá cada figura de valor de negra.
Otro parámetro que tenemos a nuestra disposición para el efecto de sonido Delayes el conocido como Feedback. Este parámetro sirve para controlar el número de repeticiones que le daremos al eco. En español quiere decir retroalimentación. Como consecuencia, cuanto más valor le demos, más largo será el efecto de eco. Si lo ponemos al máximo, las repeticiones serán infinitas.
El valor Pan sirve para panoramizar la señal; pero ojo, no para controlar el sonido original, sino el sonido del efecto; es decir, el eco o retraso. La panoramización es un procedimiento que está destinado a ubicar el sonido dentro del campo stereo. En la práctica, con Pan ponemos el sonido a la izquierda o derecha.
Por último, el parámetro Dry/Wet es idéntico que el que vimos para el efecto de reverberación. Se trata de un control para mezclar la señal original y la señal del efecto de sonido. En la práctica tiene su función para ubicar el sonido del instrumento dentro de la mezcla musical.


Producción Musical - Preparación para la grabación


Antes de poder empezar a realizar grabaciones de audio, necesitamos saber como se conectan los distintos instrumentos musicales con el dispositivo que nos permitirá la grabación.
A su vez, para conectar los instrumentos entre sí tenemos que conocer los tipos de cables de audio que hay en el mercado; ya que son éstos los que nos permitirán dirigir la señal de audio de un sitio a otro.
Aunque la enrutación de la señal por medio de los cables puede ser muy compleja,nos centraremos en una enrutación sencilla para no complicar el aprendizaje.

Tipos de cables de audio

A la hora de trabajar con sonido, se puede elegir entre una gran variedad de tipos de cables; pero los dos que más se usan son el cable RCA y el cable jack. Seguro que los conoces porque son muy comunes en el ámbito doméstico.

Distintos cables de audio para trabajar en la producción musical.

El cable stereo RCA dispone de dos clavijas; una siempre es roja, mientras que la otra puede ser blanca o amarilla. Las tomas de los intrumentos para estos cables tienen los mismos colores para identificar su correspondiencia. Por su parte, las clavijas jack pueden ser chicas o grandes; las chicas son de 3.5mm, mientras que las grandes son de 6.3mm.

Enrutamiento de la señal

Con enrutamiento se quiere decir las acciones a llevar a cabo para establecer la ruta que seguirá el audio para el propósito que queramos; en este caso la grabación de la señal. Es por medio de los cables como se establece la ruta.
Todos los equipos profesionales suelen tener un puerto de salida (output) y otro de entrada (input); que es por donde sale y entra la señal en un instrumento en particular. Generalmente, a estos puertos se les etiqueta como line in y line out: porline in entra la señal al instrumento, por line out sale la señal del instrumento.

Toma output por donde sale la señal de un instrumento musical.

La L y la R significan left y right respectivamente; es decir, canal izquierdo y canal derecho. Cuando solo se conecta el instrumento por el canal izquierdo éste envía la señal en mono a los dos canales del otro instrumento.






Producción Musical - Los tipos de micrófonos


Es bueno conocer en profundidad las distintas posibiliadades en cuanto a microfonía, así como de saber los usos de cada tipo de micrófono.
Aunque se pueden conseguir buenos resultados utilizando un micrófono "normal" en una grabación "doméstica", siempre es coveniente utilizar el tipo de micro adecuado para cada circunstancia.
La función principal de este instrumento, como ya se vió en la lección anterior, es la de traducir (transformar) las vibraciones del aire (sonido) en energía electrónica.
A la hora de elegir un micrófono tenemos que prestar atención a una serie de características que nos permiterán saber cual elegir. Estas características son:
  • Sensibilidad
  • Ruido de fondo
  • Relación señal/ruido
  • Directividad
  • Impedancia
La sensibilidad del micrófono mide lo eficaz que puede llegar a ser. Expresa la relación que se estrablece entre la tensión eléctrica (de salida) y la presión del audio que incide. Esta presión sonora se expresa en pascales.
La sensibilidad suele ser expresada en dBm, que es una unidad de medida relativa; tomándose como referencia 0 dBm.
Los micrófonos no son perfectos, y como tal generan ruído, aún cuando haya silencio absoluto en el ambiente. Esto es así porque las resistencias de los componentes internos se calientan (ruído térmico). Lo mínimo exigible es que este ruído no pase de 60dB, aunque debemos fijarnos en los que tengan el menos ruído de fondo posible. Este fenómeno se conoce como ruído de fondo.
En cuanto la ralación señal/ruído, se puede decir que relaciona la señal más intensa que puede capturar el micrófono sin distorsionar y el ruido de fondode éste. Se mide en decibélios (dB) y está en función de la presión sonira a 1Mhz.
Hay micrófonos que captan el sonido de forma óptima según la dirección de la fuente sonora: por ejemplo, un micrófono puede captar mejor la señal del sonido que viene de frente que por detrás; otro puede hacerlo en ambas direcciones. La directividad nos indica la dirección en que el micro capta mejor el sonido.
  1. Omnidireccionales: captan el sonido independientemente en la dirección en el que le llegue.
  2. Unidireccionales: captan mejor el sonido que llega de frente; no captando eficazmente los sonidos de otras direcciones.
  3. Bidireccionales: en esta ocasión, recogen mejor el sonido que llegan de frente y por detrás; fallando en los sonidos laterales.
La impedancia es la resistencia que se opone al avance de la corriente eléctrica. En el caso de los micrófonos, si éste tiene alta impedancia y un cable largo, se puede producir una pérdida muy grande en la calidad del audio resultante.Se mide en ohmios (letra griega omega) y oscila entre 200 y 20 ohmios.


Producción Musical - El efecto de reverberación


La reverberación es un efecto que sirve para simular que lo que se oye está en un ambiente o localización determinada.
Por ejemplo, podríamos simular que lo que oye la persona que está escuchando se encuentra situado en una catedral. Así pues, con el efecto dereverberaciónpodemos simular ambientes, para recrear espacios sonoros.
Este efecto consiste físicamente en que el sonido, al revotar con los obstáculos que se encuentra a su paso, produce en el oyente una sensación de "presencia sonora" que es característica de cada espacio sonoro (ejem, un palacio, la montaña, un concierto...

Con la reverb podemos recrear un sonido en una localizacón determinada.

El primer parámetro de la reverb es el logaritmo de la reverberación, que es solamente el espacio que queremos recrear. Por ejemplo, si queremos simular que el sonido se genera en una sala tendremos que elegir el logaritmo hall. Si es una habitación donde se generaría el sonido, podríamos elegir room.
Otro parámetro es el control size, que con él podemos elegir la amplitud del espacio que queremos recrear. Por jemplo, con este parámatro podemos elegir las dimensiones de la sala en donde se escucharía el sonido. Dispone de valores negativos también, para "achicar" el ambiente.
El valor decay significa "decaimiento" , y con él podemos controlar la duración del efecto de revreberación. Esto es útil según el instrumento al que estemos aplicando el efecto de reverb. Por ejemplo, un bajo suele tener valores muy cortos; por contra, los violines suelen tener un valor muy alto.
Por otra parte, un sonido puede revotar sobre distintos materiales. La consecuencia de esto es que hay materiales que absorben las altas frecuencias más que otros. Para controlar este aspecto tenemos el valor damp. En la práctica posamos usarlo para los bajos: al elimiar altas frecuencias se ajustará más a la mezcla.
Por último, el valor dry/wet sirve para aplicar más o menos cantidad de reverberación al sonido. En la práctica es para simular que la fuente que genera el sonido está más alejada o más cercana a nosotros. En sonidos solistas suele darse un valor relativamente bajo. Mientras, en sonidos para coro, se le suele dar un valor alto.




Producción Musical - Los efectos de sonido


Los efectos de sonido son herramientas muy potentes, ya que nos permiten proporcionar al sonido un nuevo nivel en cuanto a sonoridad.
El manejo de los efectos de sonido es todo un arte; por ejemplo, hay gente que se decanta por un grupo de efectos, obviando el resto de efectos que tiene a su disposición.
Esto es así porque incluso hay efectos que proporcionan el sonido característico de un determinado estilo musical. Por ejemplo, en la música electrónica se usa mucho el eco; cosa que no ocurre en la música sinfónica.
Uno de los efectos más importantes es el reverb. Este efecto de sonido se utiliza para darle presencia al sonido de un determinado instrumento musical. Concretamente simula un determinado espacio en el que suena el sonido; puede ser una cueva, un auditorio o una habitación entre otros. En la figura 11 puedes ver un dispositivo de reverberación.

Dispositivo para aplicar el efecto de reverberación

También hay otros efectos importantes como el delay (no confundir con el efecto de eco), el chorus o el phaser. El delay se utiliza mucho en todo tipo de grabaciones, para proporcionar más cuerpo a la señal. El chorus sirve para sumular un coro; en el violín se puede aplicar para simular una orquesta. El phaser se utiliza poco, principalmente en música electrónica.

Efectos de delay a la izquierda, y de phaser a la derecha

El phaser es un efecto que resulta interesante; lo que hace es aumentar la intensidad abruptamente a una pequeña porción del espectro de frecuencias de la señal. Lo interesante es cuando se recorre el espectro, haciendo un barrido por toda la señal.
Tenemos dos formas de conectar los efectos de sonido. Los efectos de inserción son los que se conectan entre el instrumento musical y la mesa de mezclas. Los efectos de envío son los que se conectan directamente a la mesa de mezclas. La acción de estos últimos se establece por medio de los controles auxiliares de la mesa.
Esta lección nos servirá como introducción al tema de los efectos de sonido. Profundizaremos en las dos formas de conexión, en el funcionamiento de cada uno de los efectos vistos; ampliando la gama con los demás que existen. También veremos cuando y porqué utilizarlos, además de explicar casos prácticos.








Producción Musical - La mesa de mezclas


Este dispositivo, la mesa de mezclas, es el que nos va a permitir hacer sonar simultáneamente los distintos intrumentos musicales. También puede hacer sonar los sonidos ya grabados en las pistas.
El objetivo de la mesa de mezclas es el hacer sonar todo de tal forma que suene con definición, y no suene un barullo de instrumentos sonando al unísono.
Para ello se vale de una serie de elementos que nos permitirán configurar todos los sonidos por separados para hacer así que todo suene correctamente.

Aspecto que presenta una meza de mezclas para la producción musical.

Aunque a primera vista puede parecer un dispositivo muy complicado por la cantidad de botones que se ve, en la práctica no es así; ya que muchos de los botones y controles son idénticos en cuanto a la función que desempeñan.
La mesa de mezclas se divide fundamentalmente en tres partes: los canales, el retorno y el master. Los canales es toda la área central que se ve en la figura 9, el retorno está en la parte derecha superior y el master en la derecha inferior.
Los canales son similares a las pistas del secuenciador; de hecho se le suelen denominar también como pistas. En estos canales se conectan la señal de los instrumentos musicales, y es donde se le aplican una serie de parámentros para que encajen y suenen bien en la mezcla.

Los elementos de los canales de la mesa de mezclas.

En la parte superior tenemos unos potenciómetros para habilitar efectos de sonido al canal. Aunque la mesa del ejemplo permite hasta cuatro efectos, dispositivos profesionales admiten hasta ocho o doce. Estos efectos permiten integrar mejor la señal en la mezcla; más adelante veremos cono habilitarlos.
Inmediatamente debajo tenemos un pequeño ecualizador que nos permitirá reforzar o atenuar los grabes y agudos con la intención de una mezcla más equilibrada, en la que no haya saturación de agudos o graves. Las mesas de mezclas suelen tener tres vías: agudos, medios y graves También suele haberu n botón para conectar y desconectar el ecualizador.
En los canales de las mesas de mezclas también hay un número que identifica al canal; y dos botones que corresponden al mute y al solo del canal. El primero permite silenciar el canal, y el segundo deja sonando al canal y silencia los demás. Estos botones se utilizan para contrastar la señal del canal con el de los demás.
La panoramización es un proceso por el cual podemos balancear la señalentre el canal derecho e izquierdo de la imagen stereo. En la práctica es el efecto de escuchar el sonido a la izquierda o a la derecha.
El monitor es la conversión de la señal en su forma gráfica. Esto nos permite saber que está sonando en cada canal de la mesa de mezclas. El fader, por su parte, es un deslizador con el que podemos controlar la intensidad de la señal del canal. En la práctica se utiliza para equilibrar el volumen de la mezcla.






Producción Musical - La grabación electrónica


La grabación electrónica

Este tipo de grabación musical está destinada a registrar el audio que genera un instrumento electrónico, como puede ser un teclado o una guitarra eléctrica.El sonido se genera por medio de circuitos integrados eléctricos; similares al de los ordenadores.
Esta vez, para capturar el audio usaremos cables de audio, y no micrófonos. Estos cables ya tienen que ser conectados a la toma adecuada del dispositivo de grabación. Generalmente te encontrarás con la toma input, pero se puede llamar también linein o audioin.
En este caso ya no es necesario cuidar el ruido del ambiente; aunque para conseguir una buena grabación tenemos que cuidar la calidad de los cables y el nivel de volumen en la salida del instrumento electrónico.

Consideraciones técnicas

Hoy en día con los ordenadores actuales no hay que preocuparse por los recursos consumidos, ya que éstos son muchos. En el pasado había que cuidarse a la hora de grabar en determinada calidad de grabación. Incluso cuando se grababan señales graves, se bajaba la frecuencia de muestreo para ahorrar.
Como regla general, graba siempre a una resolución de 16 Bits y una frecuencia de muestreo de 44´1Mhz. No obstante, si tus pretensiones son profesionales, puedes grabar a 32Bits y 96Mhz.



Producción Musical - La grabación acústica


La grabación acústica

Este tipo de grabación consta de una serie de técnicas para el registro del sonido de una familia de instrumentos denominada acústicos. Estos instrumentos acústicos se caracterizan por generar su sonido por medio de una serie de propiedades físicas.
El dispositivo que recoge el audio de estos instrumentos y lo envía al secuenciador para la grabación es el micrófono. Existen muchos tipos de micros, pero, para empezar en la producción podemos decantarnos por uno de gama media. Profundizaremos en ellos en una próxima lección.
Para que la grabación sea buena, necesitamos un ambiente libre de ruidos, de lo contrario podría colarse alguna señal del ambiente indeseable. También es preciso un soporte (también llamado pie) para el micrófono, esto nos servirá para poder tocar con naturalidad sin necesidad de aguantar nosotros mismo el micro.